CINEToM

Wall Street II : Money Never Sleeps

2010-10-18T18:52:00.008+01:00

Autant le dire dès le début, Oliver Stone n'a pas vendu son cul en faisant une suite au premier Wall Street (1989). Le générique en est la preuve. Stone reprend la typographie des crédits du premier Wall Street comme un signe amical à l'attention du spectateur. De longs plans sur la ville de New York, longs travellings aériens, fluide et techniquement irréprochables. Le spectateur lambda dira "formel". Par dessus ces paysages urbains, la musique est composée par Brian Eno et David Byrne, chanteur des Talking Heads. Une collaboration entre deux monstres de la musique qui n'est pas originale dans le sens où il avait déjà fait l'objet d'un album dans les années 80* (My Life In The Bush Of Ghosts, 1981) et qui par conséquent renvoie le film dans cette culture américaine des 80's. Les membres de l'équipe technique sont pour la plupart des collaborateurs fidèles de Stone.

Le scénario est cohérent. Stone a choisi de mettre en scène le tissu social des personnages sur fond de crise financière. Alors que Gordon Gekko sort de prison, il tente par le biais de son futur beau-fils de se rapprocher de sa fille Minnie, qui le renie depuis que son frère est mort. Le choix de direction du scénario dépendait entièrement des priorités que se fixaient Stone. D'abord la crise et après les personnages ou l'inverse ? Qui est relayé au second plan ? On a lui a reproché de mettre trop en avant les personnages et leurs relations au lieu d'expliciter le monde des finances pendant la crise boursière. Tout est bon en matière de critique d'écriture, c'est à celui qui dira le plus "il aurait du..." S'il avait mis au premier plan l'aspect technique de la crise et relégué au dernier plan les personnages, on lui aurait dit que son film était trop ciblé, trop à charge contre le monde de la Bourse et que les personnages n'étaient pour lui qu'un prétexte pour vendre sa cause. Bref, Stone n'a pas oublié que nous étions au cinéma et que le meilleur moyen de faire passer un message c'est d'y mettre de la finesse et de s'aider des personnages pour l'incarner.

Même si les retournements successifs de Gekko pendant tout le long du film sont un peu redondants, le film est vraiment honnête et notamment pour ceux qui avaient déjà vu Wall Street. Gekko n'a pas changé, il sort de prison avec un combiné énorme, son costard et retourne dans un monde dans lequel il est complètement déphasé. Et c'est ça qui est jouissif dans Money Never Sleeps, c'est que l'on assiste au dernier spectacle d'un vieux loup de la finance, à la masse, rongé par les remords, méprisé par ses pairs sinon complètement oublié du monde la finance.

La scène du restaurant où il salue une connaissance est particulièrement réussie. Alors qu'il trouve le moyen d'inviter sa fille et son beau-fils au restaurant, une vieille pulsion lui fait saluer un magnat de la finance alors qu'il coupe la discussion avec sa fille et ne recoit par la même occasion aucun salut de la part de sa connaissance. Après coup, le regard que Minnie porte sur son père est complexe et dramatique. Elle lui montre en le regardant qu'à la fois il n'a jamais été à l'écoute et que du même temps il n'est plus de la partie, qu'il a perdu ce qu'il y avait de plus cher chez lui, son ego et la reconnaissance de celui-ci. Cette vision et ce regard fille/père illustre celle de la nouvelle et vieille génération, comme un produit dépassé, dispensable.

Oliver Stone a bien respecté la franchise Wall Street. Il n'a pas succombé au bling-bling qu'aurait du porter le nouveau volet pour trouver un public plus populaire. Il n'a pas succombé au choix du répertoire de musique électro pour porter son histoire. Son film est rigoureux et intègre dans les choix de décoration, de costumes et dans les choix de valeurs contemporaines auquel il fait référence. L'aficionado du Gekko d'origine, du Wall Street père est comblé et rassuré : le nouveau Wall Street a toujours la classe.

Mais il ne se contente pas de respecter, il donne de nouvelles choses à voir, notamment quelques plans de cinéma qui resteront dans les esprits cinéphiles. Le premier d'abord, premier véritable plan du film. Plan séquence sur Shia Labeouf en moto, arpentant les artères New-Yorkaises, la caméra donnant l'illusion d'un labyrinthe et dans sa mise en scène de l'espace nous fait perdre tous nos repères spatiaux. La caméra entre dans les bureaux de la firme boursière sans attente, transformant la vision de la fenêtre en son reflet par une immersion soudaine en travelling arrière par un fondu par combustion dans les bureaux. Cette immersion a une dimension proléptique sur le reste de l'histoire, symbolisant la figure de Gekko jouant sur l'apparence, la manipulation, et l'illusion du réel. Ce plan est un grand moment de cinéma qui vient sans crier gare et qui se déroule (trop) vite.

D'autres plans, très visuels sont marquants et donne au film une crédibilité sur son existence a part entière.

Le casting est exceptionnel. Douglas reprend son rôle et c'est déjà un évènement. Shia Labeouf, vendu comme l'acteur de Transformers, est surtout un des plus jeunes acteurs à avoir une carrière aussi prometteuse. Laboeuf a tout de même déja tourné avec Spielberg, D.J. Caruso à deux reprises et est depuis tout petit bien investi dans le monde télévisuel (La série La guerre des Stevens sur KD2A) ainsi que dans certains films américains indépendants (le troublant A Guide to Recognizing Your Saints, 2006 et le teen-movie un peu faible The Battle of Shaker Heights). Josh Brolin continue sa renaissance après les Goonies (le fameux grand gaillard avec son bandeau rouge un peu rebelle). Habitué des frères Coen (No Country For Old Men et prochainement True Grit), habitué d'Oliver Stone de même (W et Wall Street II), acteur pour Paul Haggis, Ridley Scott, Gus Van Sant, Robert Rodriguez et Woody Allen depuis les trois dernières années, Brolin montre que comme certaines choses, c'est avec du temps qu'on les apprécient (facile).

Frank Langella est frappant de sensibilité, de sa vision du Nouveau Monde qui le dépasse. Toute en émotion dissimulé comme dans Frost/Nixon, il nous touche profondément comme le souvenir des valeurs décentes.

Wall Street est un bon film qui parle bien de ses personnages et aussi bien du contexte économique de crise. Le reproche d'usage de termes techniques et savants ne peut pas être avancé. Certaines choses ne peuvent pas céder à la vulgarisation du divertissement et c'est en cela qu'il est cohérent et crédible.

* Ils referont une collaboration en 2008 pour l'album Everything That Happens Will Happen Today

Aaron Sorkin et sa méthode d'écriture

2010-10-17T23:38:00.000+01:00

Aaron, parlez-nous de votre méthode d'écriture. Comment vous y prenez-vous ?

Aaron Sorkin - Je n'ai aucune méthode mais je prends des douches. Jusqu'à six ou huit par jour. Je n'ai pas la phobie des microbes, ce n'est pas un TOC : je prends une douche chaque fois que j'ai besoin de me relancer. Lorsque j'ai passé deux heures à fixer le curseur qui clignote sur la page blanche, je deviens grincheux : je prends une douche très chaude, je mets des vêtements propres, voilà une nouvelle journée qui commence. Un reboot. Je vis à Los Angeles et comme tout le monde là-bas j'ai une piscine. Parfois je fais un plongeon puis je prends une douche. Je répète ce rituel plusieurs fois dans la journée. A l'opposé, quand l'écriture marche, c'est très physique. Je me lève devant l'ordinateur, je saute partout, je joue tous les personnages (il mime la scène), je me sens très excité. Je me tiens très mal en écrivant : au bout d'un moment je ne peux plus continuer, j'ai mal partout. Quatre heures devant l'ordi équivalent à quatre heures de muscu. Donc je prends une douche. Je vis ainsi quatre ou cinq journées dans la même journée. J'utilise beaucoup plus d'eau que je ne devrais et je sais, c'est mal.

(Art.Original)

The Social Network : Critique

2010-10-17T23:14:00.008+01:00

Au début, je me suis prononcé sur The Social Network un peu comme tout le monde : mais que vient foutre Fincher la dedans ? Je me suis dit que c’était peut être un compromis de production. Bilan : compromis ou pas, David Fincher nous la met profond.

La séquence d’introduction est tout simplement hallucinante. Ouverture sur un plan d’ensemble typiquement à l’américaine (cf. Enquête sur la table au cinéma). Fincher utilise un bon vieux procédé de champ/contre-champ. C’est l’amorce du film et le rythme est soutenu. Les répliques fusent. On reconnait Fincher. Les cadres sont très serrés. La conjugaison de la scène, rigoureuse et la ponctuation est clinique. On découvre Mara Rooney et Jesse Eisenberg face à face dans un pub, lumière étouffée, faible profondeur de champ. Le couple est entouré par le flou de l’activité étudiante et semble ne pas y prêter attention.

Pendant toute la scène, le dialogue est un exemple de non-communication absolument étouffante. Le personnage de Mara Rooney essaye en vain de tenir la vitesse de discussion mais Zuckerberg déphase complètement le jeu des questions/réponses. Cette scène d’exposition présente bien le personnage principal, ses attentes, son rang et surtout son handicap social. Erica Albright conclut la scène en larguant Zuckerberg. C’est l’amorce du film.

Aaron Sorkin, junkie de l’écriture, avec sa gueule de geek blondinet, a véritablement composé le film. Il y a une musicalité des dialogues, une structure narrative boosté au crack (le montage des procès, oscillant entre le premier et deuxième à une vitesse fulgurante). Tout le film est investi d’un débit de dialogues, une vitesse qui sèche un peu les lacrymales tellement les yeux sont focalisés sur l’écran (doublement si on le voit en V.O.).

Je me suis étonné de l’importante présence de Sorkin sur toute la construction du film. A en juger les featurettes dispo sur le net (1, 2), Aaron Sorkin était présent sur le tournage assez souvent aux cotés de Fincher, donnant même son avis. En plus du fait, qu’à certaines conférences de presse, Fincher absent, le scénariste était comme remplaçant du réalisateur. Même si la dispense de Fincher est justifiée par le fait qu’il était sur le tournage du remake de Millenium, la co-paternalité si explicite de Sorkin sur The Social Network reste surprenante. C’est peut être aussi une façon de vendre le film en vantant le fait qu’il soit écrit (« Ok on fait un film sur un site d’usagers illettrés mais nous on l’a pas écrit avec le coude »).

Jesse Eisenberg en Zuckerberg, c’est un drôle de changement. Moi qui l’avais connu dans Adventureland, comme le teenager naïf, profondément romantique, j’ai pris une claque. Eisenberg incarne un Zuckerberg parfois vraiment sombre, mutin (verso de l’image du béat Zuckerberg que l’on connait) doué en technologie et à mon avis, même s’il est évident qu’il est montré comme influençable (par Sean Parker entre autres) c’est aussi quelqu’un de très stratégique et à la limite du leadering. Jesse Eisenberg assure le débit naturellement, avec une facilité déconcertante, et son handicap, d’être décalé et de ne pas savoir participé au jeu social lui donne un aspect mystérieux. L’antihéros n’est finalement pas si anti que ça.

Le casting est impeccable, pas de bavure. Andrew Garfield se confronte avec une magnifique complicité à son ami qui donne une tension dramatique tout au long du film. Justin Timberlake, après avoir tourné avec Nick Cassavetes et Richard Kelly, renforce son aura d’acteur et incarne un Sean Parker séducteur cultivant l’art de la communication comme personne. Cette figure est en ce sens complémentaire à Zuckerberg et explique le fait qu’il trouve rassurant l’appui du créateur de Napster.

En faisant appel à Trent Reznor, le leader de Nine Inch Nails, pour la musique originale de The Social Network, Fincher se rapproche de la démarche qu’il avait effectuée pour Fight Club avec les Dust Brothers. La musique donne à son film une texture sonore électrique et minimaliste qui le sert magnifiquement bien. Le générique avec son coté mélancoliquement serein est somptueux.

Trent Reznor & Atticus Ross - On We March by Some Kind of Awesome

Bref, le casting est pas anodin et c’est ça qui impressionne à chaque fois chez David Fincher, c’est que chaque choix, chaque décision est pertinente. Quand il dit qu’on a qu’une ou deux façons de filmer une scène et que la deuxième est surement mauvaise, ce n’est pas faux et c’est ce raisonnement qui finit par donner au film une consistance mystérieusement incritiquable. Chaque choix de casting, chaque choix de mise en scène, chaque choix de photographie donne une force instinctive à son cinéma. The Social Network est un film qui reste dans les esprits. Au jeu du « t’as vu dans la scène de… » la partie est mystérieusement facile parce que chaque couleur, chaque décor, chaque visage reste ancré dans la mémoire. Fincher c’est pour ça aussi la force d’un découpage clinique et instinctif qui rentre directement par la moelle épinière. C’est rare.

On pourrait faire les flyers fucker en cherchant les défauts et en relevant les répétitions de son cinéma, comme beaucoup l’on fait et soulever les choses qui reviennent toujours dans ses films, mais ce ne sont pas, à mon sens, des répétitions.Ce sont des récurrences. Les valeurs de son cinéma. Par exemple, la colorimétrie ou l’usage des teintes monochromes. Mais c’est une gamme de procédés de son cinéma qui ne se sépareront jamais de ses films.

Enquête sur la table au cinéma

2010-10-17T11:57:00.004+01:00

Au cinéma, la table est très importante. C'est le seul élément architectural qui pose ses conditions, c'est le seul qui dicte sa grammaire des plans. En effet, un réalisateur qui voudra filmer des personnages autour d'une table aura toujours besoin d'user d'un profil de plan récurrent. Un plan de valeur moyenne ou plan américain (tête, taille) la plupart du temps (cf.Diaporama). On remarquera toujours une scène de table dans un film, mais on ne la verra pas. C'est un support de communication, un média qui est passé dans les moeurs de la langue cinématographique. Elle est souvent associée et dissimulée par la fonction que la table a dans la vie quotidienne : une fonction nutritive. En effet, la table est en général inclue dans une scène de repas. Et c'est l'un des atouts d'usage de tables au cinéma. Le repas, la nourriture sont deux élément fédérateurs qui permettent de faire parler les personnages, de les développer. Qu'est ce que nous ferions sans ces tables ?

Confessions d'un bleu Wall Street II

2010-10-16T18:45:00.005+01:00

Quand j’ai lu qu’Oliver Stone allait mettre en scène la suite de Wall Street, c’est vrai que j’ai bavé… La suite du film culte de 1989 était vraiment improbable, l’histoire était finie, Gekko finissait en prison. Je me suis demandé pourquoi Stone replongeait dans ce film, ces personnages, sinon pour brasser un peu plus la franchise. En plus, c’était la première suite d’un de ces films, donc une tactique un peu couperet. Mais le bonhomme a de la carrure et c’est le sous estimer que de penser que ce choix était peu motivé et fragile.

De mon coté, j’ai été vraiment bluffé par le casting. Un trio de choc réuni dans un même film : Douglas, Labeouf et Brolin. Rien que la perspective de ces trois monstres dans l’univers Wall Street m’excitait. J’ai lu chaque info de tournage au compte goutte. Un jour de goutte donc, j’ai appris que sa sortie en Juillet 2010 allait être repoussée à Septembre 2010 pour permettre sa sélection Hors Compétition au Festival de Cannes.

Etudiant en Production à Cannes, j’ai un peu halluciné d’imaginer que le film allait être à ma portée. La 20th Century Fox avait surement prévue que cette visibilité Cannoise aurait un impact sur l’image du film et sa prochaine exploitation, dopant encore un peu plus le projet.

Du coup, stagiaire à KM, j’ai pu participer à l’évènement. J'officiais dans un rôle de très grande responsabilités, dont tout une équipe dépend. J'étais stagiaire régie à TV Festival. Pour les anecdotes, Shia Labeouf et Michael Douglas sont arrivés un peu poudrés à 10h du mat’ au photocall. Après avoir pris la pose, Douglas me demande la direction des toilettes, je me sens indispensable... Pendant l’ITV du casting, juste derrière les caméramans, j’écoutais les questions réponses de l'équipe du film, sagement assis sur leurs fauteuils. Autour du petit dispositif d'interview, en fait un petit chapiteau, tous les attachés de presse, les accompagnateurs font les badauds. Tout d’un coup, derrière moi, j’entends que quelqu’un me murmure un truc à l’oreille. Une femme, une voix douce. Elle parle anglais et j’ai du attendre qu’elle se répète pour m’en apercevoir. Elle me demande : « It’s on air ?» toujours avec le même ton doux. Ça s’appelle de la patience. Moi sur le coup, un peu bleu, je lui demande de répéter encore une fois. Alors que je tourne juste la tête vers elle, elle me répète encore une fois, se rapprochant plus encore de mon épaule : « It’s on air ? ». Je me traduis et je lui dis que oui, c’est en direct et je rajoute que c’est visible sur tous les écrans du Palais des Festivals. Je vois par-dessus mon épaule gauche, que derrière moi, elle acquiesce. Et je me replonge dans l’interview. Une fois l’ITV finie, le casting s’en va. Je vois Josh Brolin sourire et venir vers moi. Je fais un blocage de 2 micros secondes et je regarde derrière moi. Un peu perdu, je jette un regard au régisseur qui a vu toute la scène et qui se marre bien. En fait, j’avais juste un peu eu Diane Lane, accessoirement la femme de Josh Brolin, derrière moi pendant toute l’interview,. En fait, j’avais juste un peu eu la fille de mes fantasmes cinématographiques pendant une vingtaine de minutes derrière moi sans même m’en rendre compte. En fait, je lui ai juste fait un peu répéter trois fois une question sans même prendre le soin de me retourner pour lui répondre… A ce stade, j’avais juste envie de m’infliger de servir le café pendant tout le reste du Festival pour me punir dignement. En tout cas, elle sent bon.

Mr Art Linson

2009-03-12T18:51:00.002Z

Né à Chicago, Art Linson grandi à Hollywood. Il sort diplômé de l'University of California de Los Angeles et obtient son diplôme de la faculté de droit de l'UCLA en 1967.

Art Linson commence par produire des Teen movies comme The Wild Life (1984, écrit par Cameron Crowe, un film qu'il rattrape in extremis en s'occupant de la réalisation) , Fast Times At Ridgemont High (1982, Culte)... Il s'engage ensuite au coté de plus grands projets réalisés par des auteurs tout autant prestigieux : De Palma (Outrages, Les Incorruptibles, Le Dalhia Noir...), Michael Mann (Heat), Cameron Crowe (Singles), Michael Caton Jones (Blessures secrètes), Lee Tamahori, Alfonso Cuaron, Neil Jordan (Nous ne sommes pas des anges), Mike Newell, David Mamet, David Fincher (Fight Club, Les Seigneurs de Dogtown qu'il produira en sa collaboration).

Il sera souvent associé aux noms de Robert De Niro et Sean Penn. Les Incorruptibles, Blessures Secretes, Heat réunissent tous De Niro et le producteur.En 1989, il produit Nous ne sommes pas des anges qui met en scène De Niro et Sean Penn. Ce dernier lui fera rencontrer le succès en 1982, avec Fast Times At Ridgemond High. En 2007, Art Linson lui rend l'appareil en produisant Into The Wild (réalisé par Sean Penn).

En 2008, son autobiographie est adaptée à l'écran. What Just Happened met en scène les déboires d'un producteur un rien désinvolte et pratiquant la diplomatie hollywoodienne. Réalisé par Barry Levinson, il réunit rien de moins que De Niro (dans le rôle de Linson), Sean Penn, Bruce Willis, John Turturro, Robin Wright Penn... Film cynique et réussi, What Just Happened donne l'occasion à Art Linson d'appuyer définitivement sa réputation.

En 2009, Linson prépare un film sur le groupe de pop des années 70, The Runaways pour un film du même nom. Il verra dans le rôle principal, l'actrice Kristen Stewart, avec laquelle il a déjà travaillé sur Into The Wild et What Just Happened.

Travaux Personnels

2009-03-12T17:40:00.006Z

La Secte Dorée [Court Métrage] ToM Baraton

Court Métrage produit dans le cadre de L'option Cav en 2008.

Manifestation Poitiers 2009

Manif Poitiers 19 Mars 2009

J'ai filmé les manifestations parce qu'elles m'intéressent du point de vue sociologique. Si je les filmais c'était moins pour les valoriser, mais pour les éclaircir. (J'ai fait ma première année post-bac à l'Université de Poitiers en Licence de Sociologie.)

C'est intéressant de voir que l'image, dans ce genre d"évènement n'est jamais anodine. Elle est même puissante et ceux qui la font aussi.

Ce que je voulais montrer, c'est qu'une manifestation: c'est l'occasion d'éclaircir les rapports sociaux, les enjeux qui différencient les groupes et les divisent. Les revendications politiques et le prétexte des luttes sociales des étudiants donnent sur le terrain un visage beaucoup différent. A ce titre, les conflits sociaux comme les manifestations donnent une belle opportunité d'analyser les caractéristiques d'un groupe social, ses valeurs et ses contradictions.

C'était aussi une expérience enrichissante au niveau journalistique: du choix du point de vue, du montage, des cadrages. L'impact d'une image résulte de ces choix et le propos peut être complètement inversé selon qu'on décide d'une direction ou d'une autre.

2009-03-12T17:11:00.001Z

David Fincher, Pubs et Clips

2009-03-10T21:14:00.001Z

Avant d'être un Réalisateur Culte de Films...Cultes, David Fincher s'est frotté les coudes, et maintenant encore, au monde de la publicité et des vidéos-clips. Attaché à la génération MTV, au temps où la Chaine comptait parmi les révolutions artistiques, Fincher filme de nombreuses franchises, qu'elles soient stars ou entreprises. Il s'agit donc ici de restituer quelques une de ces commandes de Spots publicitaires ou Clips dont David Fincher à fait l'objet. Celles-ci étant un terrain d'expérimentations pour de nombreux cinéastes.

Clips

Fincher a mis en scène les chansons de nombreux artistes. Artistes qui ont d'ailleurs demandé ses services à plusieurs reprises. Que ce soit Madonna, George Michael, Paula Abdul, les Rolling Stones, Iggy Pop, Michael Jackson, Aerosmith, Billy Idol, Ricky Springfield...Tous lui doivent une partie de leurs carrières visuelles.

Les Clips - Vidéos suivant sont les plus marquants.

Madonna - Vogue

Pour plus d'informations,

Un article bien détaillé sur la carrière de clippeur de Fincher:

http://www.filmsactu.com/dossier-cine-david-fincher-realisateur-de-clips-4995.htm

Spots Publicitaires

En ce qui concerne les Spots Publibicitaires, Fincher est souvent rattaché aux spots de Nike, de la marque américaine de télécommunication AT&T et des nouvelles technologies en général (Apple, Hewlet Packard)ou bien encore Levi's, Coca-Cola... Il a par ailleurs le "privilège" de voir passer ses pubs lors du SuperBowl (signe d'importance aux Etats-Unis).

Cette playlist montre certains spots réalisés par Fincher.Le premier, financé par l'American Cancer Society donna un nom à Fincher au sein des Agences Publicitaires car celle-ci fut un rien provocante lors de sa sortie en 1984.

Quelques liens pour en voir plus et en meilleure qualitée :
http://www.claudiomiranda.com/Commercials.html
http://www.culturepub.fr/recherche.html?q=fincher

Body Rice ( Hugo Vieira da Silva, 2008)

2009-03-10T11:29:00.000Z

Body Rice

De Hugo Vieira da Silva avec Sylta Fee Wegmann, Alice Dwyer, André Hennicke, Pedro Hestnes, Luís Guerra. 1 h 55. (Site Officiel :http://www.clapfilmes.pt/bodyrice/index.html)
Musique: Joey Beltram( My space ), Joy Division...

Avec Body Rice, son premier long métrage, que les cinéphiles parisiens ont pu découvrir cet hiver sur quelques rares écrans, le Portugais Hugo Vieira da Silva donnait enfin un corps possible, consistant et substantiel à l'idée jusqu'ici très fumeuse de «cinéma européen». N'ayant rien à voir avec un quelconque «europudding», Body Rice raconte l'expérience charnelle, sociale et sentimentale d'une bande d'ados allemands en crise mise au contact de l'aridité du monde paysan dans le nord du Portugal, où les institutions de leur pays les ont envoyés pour aider à leur restructuration. La fraternité entre ces deux morceaux d'Europe n'est pas gagnée d'avance mais se construit autour de la musique, de certains regards, de quelques conflits et de beaucoup de désir. Une belle hypothèse devenue film.

Hugo Vieira da Silva est un cinéaste portugais de 34 ans qui vient de la contre-culture expérimentale et du documentaire. Il détaille son parcours jusqu'à ce premier film.

Qui êtes-vous ?
Je suis né à Porto, dans le nord du Portugal, peut-être la ville la plus snob du pays. Mais une scène alternative artistique et musicale y a toujours existé, peut-être plus «alternative» que celle de Lisbonne. C'était sans doute une expression de ce snobisme attaché à la ville, mais c'est aussi ce qui, à une époque, m'a «sauvé».
Je me souviens avoir vu Nick Cave, vers 1989, donner un petit concert où il se tailladait : la scène post-punk était réduite mais très radicale. C'est à partir de la fin de mon adolescence, au début des années 90, que le Portugal a complètement basculé dans la société de consommation et que le snobisme radical de Porto a commencé à s'éteindre. Et moi, je suis parti pour Lisbonne.
A la même époque, j'ai commencé à m'impliquer dans la danse contemporaine, qui a explosé au Portugal dans les années 90. Mes centres d'intérêts étaient vastes : arts visuels, chorégraphie, photographie, écriture. A la fin des années 90, j'ai eu le sentiment que Lisbonne souffrait d'une sorte de blocage culturel et devenait une ville dépressive. Je voulais absolument partir pour l'Allemagne. Quand j'étais jeune, j'ai beaucoup consommé de poésie romantique, de musique industrielle et fréquenté des Allemands vivant dans le sud du Portugal. A cette époque, je voulais déjà faire un film sur les Allemands, sans savoir vraiment quoi ni comment.
Plus tard, Berlin est devenu ma ville. J'y vis et c'est là que je développe mon nouveau projet.
Pourquoi filmez-vous ?
Le cinéma n'est devenu une nécessité vitale que tardivement. Mon cheminement d'artiste a été irrégulier et chaotique. J'ai fait une école de cinéma, mais cela n'avait pas beaucoup d'importance pour moi. Beaucoup d'autres choses m'intéressaient et je rejetais l'école pour son académisme. Je jugeais beaucoup plus important toutes les formes de recherches dans lesquelles j'étais engagé avec des danseurs et d'autres artistes. J'y trouvais plus de liberté et une plus grande ouverture d'esprit. J'ai eu le désir d'aborder le cinéma narratif lorsque j'ai fait une immense découverte : le cinéma est au fond, et depuis toujours, un art multimédia. Je pouvais donc y incorporer toute la gamme des choses qui m'intéressaient. Body Rice m'a donné la possibilité d'expérimenter cette fusion.
L'adolescence est-elle le seul sujet de votre film ?
Body Rice entretient une sorte de distance intentionnelle avec les adolescents qui forment son sujet. Je voulais «inventer» cette distance pour une raison profonde : j'ai vécu deux années durant avec ces gens, des ados allemands en rupture et placés quelques mois dans l'Alentejo par les institutions de leur pays, mais aussi des Allemands exilés volontaires qui se sont installés au Portugal. Je connais ce monde-là depuis mon adolescence, j'ai eu dès 1999 l'intention d'y consacrer un documentaire et c'est ce que j'avais commencé à faire. J'étais là, avec ma petite caméra, devenant l'ami de certains d'entre eux, approchant leur intimité, participant à leurs raves en plein air. Bref, j'étais dans le bain. Très vite, j'ai compris que je ne voulais plus faire un documentaire. Les images que je filmais exprimaient une sorte de fétichisme sur la vie privée de ces gens et j'ai eu le besoin instinctif de les protéger, de les soustraire à tout jugement moral. J'ai été séduit par leur goût du vide. Un documentaire aurait été une trahison. A la place, j'en ai fait des acteurs et des coscénaristes de mon film. Et cette «distance» m'a rendu plus proche d'eux encore.
Body Rice exprime un puissant rapport à la musique.
Je ne voulais surtout pas faire un film qui célèbre l'ère de la musique post-punk. Ç'aurait été une autre trahison : le monde est déjà gavé de revivals et de nostalgie, cela ne m'intéresse pas. La musique que j'utilise dans Body Rice est liée à ma jeunesse. Je retiens de cette période la capacité des adolescents à accepter des choses différentes dans la musique, même si celle-ci est dure à écouter et à avaler. Le problème n'est pas du tout celui du goût, mais celui de notre capacité, lorsque l'on est ado, à s'engager inconditionnellement dans toutes sortes de propositions radicales. Et à rejeter ce qui nous a pourtant été transmis comme étant sûr et facile. Un adolescent renverse les choses établies. Je trouve que c'est cela qui est particulièrement remarquable dans cette période de la vie et c'est cela qui rend l'adolescence toujours attirante pour moi aujourd'hui. C'est aussi pourquoi le punk était si intéressant : il montrait combien la violence pouvait être vitale. Dans Body Rice, j'utilise la musique de la même façon : comme une attaque au couteau !
Pourquoi ce titre ?
Je n'ai jamais aimé les titres trop explicatifs. Qu'est-ce que c'est, un «body rice» ? J'ai bien une idée, au fond de ma tête, d'à quoi pourrait bien ressembler un corps fait de riz. Et je ne veux rien en révéler. Comme ça, le spectateur peut se faire sa propre image et la ramener à la maison, unique et personnelle. Après une projection, un ami m'a dit : «Body Riceest un corps fragmenté et délicat.»

SEGURET Olivier, Libération

Le Blog Non-Officiel du Film(http://www.body-rice.blogspot.com/). Un film, qui depuis sa sortie parisienne en Janvier 2008, a fait le tour du monde.Il a été projeté dans de nombreux festivals, a reçu de nombreux prix et a fait l'objet d'une projection spéciale à la Cinémathèque Française en Juillet 2008.

Bandes -Annonces

Beauté Volée (Stealing Beauty,B.Bertolucci, 1996)

2009-03-10T00:51:00.000Z

Après le suicide de sa mère, Lucy Harmon quitte les États-Unis pour la Toscane. Elle y retrouve le peintre Ian Grayson et sa femme, Diana, anciens amis de sa mère. Officiellement, elle doit faire exécuter son portrait par Grayson à la demande de son père. Mais elle veut surtout retrouver Nicolo Donati qui lui donna son premier vrai baiser quatre ans plus tôt et qu'elle n'a jamais oublié bien qu'il ait cessé de lui écrire. Son objectif est aussi de percer le mystère du dernier poème de sa mère qui suggère que son vrai père n'est pas celui qu'elle a toujours considéré comme tel. Lucy confie à Alex Parrish, écrivain malade qui se sait condamné, qu'elle est encore vierge. Alex trouve une nouvelle raison de vivre dans le fait d'accompagner son initiation. Jusqu'au jour où croyant, à tort, qu'elle a sauté le pas, il renonce à sa lutte contre la mort.
Copyright Bibliothèque du film, 1996

Réalisation:

Bernardo Bertolucci
Scénario:
Susan Minot (Extrait)
Chef Opérateur:
Darius Khondji
Producteur:
Jeremy Thomas (UGC Films)

Behind The Scenes

Bernardo Bertolucci

2009-03-09T23:51:00.001Z

Bernardo Bertolucci fait ses débuts au cinéma grâce à son ami Pier Paolo Pasolini qui lui propose de l'assister sur le tournage d'Accatone en 1961. Il réalise son premier film, La commare secca en 1962, co-écrit avec Pasolini. Avec Prima della rivoluzione (1964), il réalise sa première oeuvre majeure et trouve son style : de longs plans, une photographie où l'éclairage est abondant. Bertolucci traite de la dualité que rencontre l'intellectuel italien dans l'après-guerre : le communisme est nécessaire après la période fasciste mais la révolution qu'il implique engendre la destruction d'éléments culturels. Le film remporte un large succès auprès de la critique. Après quelques films moins remarqués comme Partners (1968), il collabore ensuite avec Jorge Luis Borges et Alberto Moravia qui écrivent respectivement les scénarios de La stratégie de l'araignée (1970) et Le conformiste (1971).

En 1972, avec Le dernier tango à Paris, interprété par Marlon Brando, il connaît un immense succès et déclenche un énorme scandale. Le film mêle à la fois la mort et la folie, la violence et la sexualité. Sa réalisation suivante est 1900 (1976) qu'il met deux années à préparer. Le film est une fresque relatant la naissance du communisme italien et l'évolution des paysans du début du siècle aux années 1950. La réalisation et le casting de 1900 sont grandioses, pourtant le film est un échec commercial, particulièrement aux Etats-Unis.

Ne voulant plus se lancer dans des super-productions, Bertolucci revient à des films plus modestes en réalisant La luna (1979) et La tragédie d'un homme ridicule (1981). En 1987, il revient pourtant au film à gros budget avec Le dernier empereur. Le film met en scène le basculement de l'Empire du Milieu vers le communisme. Tourné dans les décors authentiques de la Cité Interdite impériale, l'oeuvre est remarquable pour son esthétisme et son souci du détail. Cinéaste très éclectique, Bernardo Bertolucci se porte alternativement vers de grandes productions (1900, Le dernier empereur, Little Buddha) ou des films intimistes (Le dernier tango à Paris, La luna, Beauté volée).

Ma Saison Préférée (André Téchiné, 1993)

2009-03-09T23:44:00.000Z

Daniel Auteuil à Catherine Deneuve :

- J'ai pas d'énergie, d'ailleurs j'ai jamais eu d'énergie...C'est mon problème...

- Mais non! Moi je trouve ça très bien... ras le bol de l'énergie, c'est la plaie, y a plus que ça, l'énergie, performance, l'action...toute cette énergie partout, c'est terrifiant.
Tu sais d'où ça vient ça ?...Ça vient du fait qu'on a plus rien à faire... enfin intérieurement je veux dire...et puis finalement, même extérieurement...
Parce qu'aujourd'hui qu'est ce qui se passe ?... On entre dans une profession,et puis on continue... dans le meilleur des cas on progresse et puis c'est tout.
Tout le monde peut trouver la force d'agir, plus facile, mais donner un sens à ce qu'on fait, ça c'est une autre paire de manche, tu sais...

http://www.ecrannoir.fr/real/france/techine.htm

Carlo Cecchi	(Carlo Lisca)
Sinead Cusack	(Diana Grayson)
Joseph Fiennes	(Christopher Fox)
Jason Flemyng	(Gregori)
Anna Maria Gherardi	(Chiarella Donati)
Jeremy Irons	(Alex Parrish)
Jean Marais	(Monsieur Guillaume)
Donal McCann	(Ian Grayson)
D.W. Moffett	(Richard Reed)
Ignazio Oliva	(Osvaldo Donati)
Stefania Sandrelli	(Noemi)
Liv Tyler	(Lucy Harmon)
Rachel Weisz	(Miranda Fox)
Roberto Zibetti	(Nicolo Donati)

Editeur	Pioneer Setton (Nanterre)
Distributeur	Pioneer Setton (Nanterre)
Annee	0
Format	DVD - ZONE 2 (Europe/Japon)
Pays	France
Nb/coul.	Coul.
Durée	115 minutes

Nombre total d'entrées en fin d'exclusivité (Paris)	73363
Nombre de salles de sortie (Paris)	27
Nombre de semaines d'exclusivité (Paris)	28
Nombre d'entrée première semaine (Paris)	34876
Nombre total d'entrée en fin d'exclusivité (France)	184721

Début :	été 1995
Fin :	été 1995

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Travaux Personnels

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Body Rice ( Hugo Vieira da Silva, 2008)

Beauté Volée (Stealing Beauty,B.Bertolucci, 1996)

générique artistique

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Bernardo Bertolucci

Ma Saison Préférée (André Téchiné, 1993)